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EN EL ESTUDIO CON CHAYANNE

Reportaje a José Gentile y Sebastián De Peyrecave

Hablar de Chayanne, es hablar de unos de los artistas más importantes del mercado hispano con una trayectoria de más de 20 años y la realización de su CD número 20.
Hoy vamos a hablar con los productores José Gentile y Sebastián de Peyrecave, responsables de la última producción discográfica de Chayanne titulada “Mi
Tiempo”.

¿Cómo fué el proceso creativo de los temas desde la pre-producción hasta la mezcla final?

José Gentile: Hubieron dos procesos distintos bien diferenciados de acuerdo al origen de las composiciones. Cuando yo llego al proyecto, ya Sebas tenía varias canciones escritas con Estéfano y Pedro Namerow que sonaban muy bien, que sumadas a otras que escribimos durante las grabaciones, se puede decir que más de la mitad fueron escritas en el estudio y obviamente se trabajó en la producción desde la composición misma hasta los arreglos. Por otro lado, la otra mitad del disco consistía de temas escritos por otros compositores y había que producirlos con un nuevo concepto acorde al disco que queríamos. “Si Nos Quedara Poco Tiempo”, el primer sencillo, es un ejemplo de este enfoque de producción, una canción que terminó sonando mucho más explosiva de lo que se insinuaba en el demo. Esas canciones sufrieron una transformación interesante que refleja nuestra visión de lo que sería más tarde el sonido de “Mi Tiempo”.

¿Como encararon la tarea de que el disco número 20 de un artista tan establecido como Chayanne no cayera en lo habitual?

Sebastián de Peyrecave: La idea era ofrecer una propuesta diferente y nueva a través de elementos como la instrumentación y los arreglos. Queríamos ser tal vez un poquito arriesgados en cuanto al mundo sonoro alrededor de su voz, ya que sabíamos que tan pronto el cantara los temas iban a sonar indudablemente al Chayanne que todos conocemos. Tratamos de combinar elementos latinos con nuestras respectivas influencias sin tener miedo del resultado.

JG: Vimos en Chayanne a un artista realmente versátil, capaz de tomar el micrófono e irrumpir con “Juicio Final”, una canción con una base instrumental digna de los Red Hot Chili Peppers, pero que su voz la ubica claramente como parte de un nuevo sonido del Pop latino. Es obvio que estos lujos los pudimos tener gracias a que Chayanne es uno de los pocos artistas latinos con un “trademark” en su sonido vocal lo que nos daba la tranquilidad de jugar con estos extremos sin miedo a irnos fuera del estilo.

El disco tiene una variedad de estilos e influencias ya sea muy del Rock hasta elementos más acústicos y folclóricos. Comenten un poco de sus respectivas influencias y adonde estaban tratando de llegar con los arreglos.

JG: Es evidente que el disco suena a Chayanne pero a un Chayanne distinto porque están impresas las huellas digitales de los participantes del proyecto. Puedes escuchar a Estéfano claramente desde las letras y líneas melódicas durante el disco. Yo puedo escucharme a mi mismo en la canción de Erika Ender y Donato “Indispensable”, porque suena más al estilo anglosajón en cuanto a los arreglos e instrumentación y ese sonido me ha influenciado desde chico, lo llevo adentro. Sin contar que tanto Sebas como yo hemos tocado gran mayoría de los instrumentos del disco lo que acentúa aún más un sonido y una forma de tocar particular.

SDP: Creo que mis influencias al igual que las de José vienen un poco mas del rock y esto nos permitía comunicarnos fácilmente a la hora de trabajar. Al mismo tiempo hubo temas como “Cuestión de Feeling” en los que la idea era experimentar un poco con sonidos e instrumentos latinos fusionándolos con ritmos hip de discoteca. Quería que el resultado fuera un tema que por ser bailable no dejara de ser sofisticado y mantuviera al oyente interesado con tantos elementos que entran sin que te los esperes.

MP: ¿Como fue tomada esta propuesta diferente en producción y que tan abierto estuvo Chayanne en cuanto a probar cosas nuevas?

SDP: Chayanne fue increíblemente abierto a experimentar y probar cosas nuevas. Quería que para su disco número 20 se hiciera algo muy especial. Tiene el privilegio de ser un artista de mucho reconocimiento con una trayectoria impresionante y esto hace que esté en una etapa en donde no se siente forzado a hacer algo que no le llene artísticamente. Para nosotros fue un honor y un placer tener esa libertad creativa. Era importante para nosotros saber desde un principio que estábamos todos remando en la misma dirección.

MP: Como y donde grabaron las bases de los temas. Los músicos que participaron en el álbum, ¿han sido escogidos por alguna razón en particular?

JG: Comenzamos grabando guitarras, teclados e incluso voces primero sobre una emulación MIDI de lo que serían las bases. Esa metodología nos permitía plasmar nuestra visión completa de la producción antes de que los músicos invitados toquen su parte. Todo eso se hizo en nuestra base, Midnight Blue Studios, que es el estudio de Estéfano en Miami. Luego nos mudamos a Los Angeles para grabar las baterías en The Pass Studios con Victor Indrizzo (Macy Gray, Avril Lavigne), quien hizo un magnífico trabajo. El bajo lo grabamos en Boston en un estudio pequeño llamado Windigo y grabó un amigo argentino, Fernando Huergo (Dave Samuels, Danilo Pérez). La percusión la grabó fundamentalmente el gran Richard Bravo, Sebas y también José Tomás Díaz en Miami. Gracias a la confianza que Estéfano y su Estéfano Productions Group pusieron en nosotros, tuvimos amplia libertad de elegir los músicos y los estudios en donde grabar durante este proyecto, cosa no muy común hoy en día por la reducción de presupuestos. Cada músico que grabó en éste disco comulga la misma idea sonora y musical que nosotros tenemos, lo que facilitó mucho las cosas a la hora de lograr un objetivo conceptual en la producción.

MP: ¿Que técnicas se usaron para grabar batería y quien fue el ingeniero?

JG: Victor trajo una Gretch con un tambor de Drum Paradyse que lo hacen a pedido; se llama “Hit Maker”, el que terminamos usando en todos los temas. Un tambor muy versátil en afinación y color. Se lograron sonidos realmente distintos de un tema a otro solo con retocar su afinación.

A la hora de barajar nombres de ingenieros para la grabación no dudamos en llamar a Dave Way por su constante búsqueda de un sonido original. Queríamos que las baterías tengan personalidad, por ende, tanto el ingeniero como el baterista debían ser muy personales. Los dos ya habían trabajado juntos para un disco de Macy Gray en el que buscaron un sonido “vintage” para las baterías, una búsqueda similar a la nuestra para algunos temas. Dave, otro fan de los Beatles, es amante de combinar rooms (ambiente) y de usar sólo un micrófono aéreo u overhead, un C12 de AKG en este caso. En la mayoría de los casos se usaron tres pares de rooms, Neumanns U87s en bi-direccional y en paralelo como a 4 metros de la batería. Los otros dos pares eran unos U89s y unos Royer en otros puntos de la sala. Eso nos daba versatilidad sonora para las mezclas y se puede escuchar en el disco como las baterías cambian de canción en canción, amoldándose al color e intensidad del tema.

Un cono de un NS10 invertido se usó frente al bombo (kick) para ganar en bajas frecuencias y un AKG D30 para el beater (martillo del pedal del bombo); un infaltable SM57 [Shure] sobre el tambor y un condensador por debajo. En fin, Dave variaba en el uso de los micros ambientales, sobre todo en “Juicio Final”, en el que queríamos un sonido distinto del verso al pre-coro. Incluso Victor usó dos rides en el pie del hi-hat para cambiar el sonido en esa sección de la canción.

“Indispensable” debía sonar antiguo, con ese clásico tambor gordo y cálido. Dave disfrutaba con recrear una vez mas ese tono en el tambor y usó principalmente “close micing” (microfoneo cercano) en el juego (set), papel de cocina sobre el tambor y el buen gusto de Victor quien navega en ese estilo con la mayor comodidad.

Cabe destacar también el talento de Victor a quién elegimos por su estilo y profesionalismo en el estudio. Era divertido verlo meterse en la canción en donde cada golpe era importante como si fuera el último. Y teniendo en cuenta que prefirió no usar partituras de música para las sesiones, aprendió los temas de corazón y rápidamente.

MP: Hablemos de las guitarras, ¿que setup fue usado para tanto las acústicas como las eléctricas?

JG: En mi caso yo usé una Fender American Deluxe Telecaster en todos los temas menos en “Cuestión de Feeling” que usé una Floyd Rose. La Tele ha sido parte de mi sonido desde hace tiempo, tiene un tono muy particular que se presta para diferentes situaciones. Funky a lo Prince o Rock clásico a lo Tom Petty. Tanto Sebas como yo buscábamos un sonido así, clásico en las guitarras. Queríamos que las baladas suenen atemporales, que las escuches de aquí a diez años y te parezcan actuales. Por otro lado no usamos casi amplificadores de guitarra. Yo usé un pre API para ir directo a la I/O192 de ProTools con Guitar Rig 2 abierto. La comodidad de pasar de un JCM800 a un Twin Reverb en un click del mouse es genial. Como en cualquier setup de guitarra, tienes que encontrar tu propia combinación de efectos y crear tus presets para conseguir tu sonido. Mi Taylor 414 acústica sonó fantástica a través de un viejo AKG414 y el pre Neve 1081. Andrew Synowiec (Marc Anthony, Jennifer López) usó una Tom Anderson Classic Stratocaster, una PRS Custom 24 y una Gretch 6120 con un cabezal Aiken Sabre a un bafle Bogner Cube. Usamos ni más ni menos que un Shure SM57 a un pre Brent Averil 1272 para grabar a Andrew. Con él tratamos de encontrar efectos y nuevos colores como contraste a lo que nosotros ya habíamos tocado, como el Ebow de “Te Amaré” por ejemplo.

SDP: Por mi parte para las guitarras eléctricas utilicé la Line 6 Variax 500 modeling guitar que tiene la gran ventaja de ofrecerte el sonido de 28 guitarras diferentes en una. Siempre las pasaba por un Neve 1081 y un compresor Tube Tech CL 1B. Como procesador de efectos use el Guitar Rig 2 de Native Instruments así como el Pod XT de Line 6. Para las acústicas, como dijo José, usamos la Taylor 414 aunque para algunos temas yo también utilicé una Taylor 310. Por otra parte también contamos con la participación de Leo Quintero (Jon Secada, Arturo Sandoval) quien toco guitarras acústicas y el cuatro venezolano en “Cuestión de Feeling”

MP: ¿Se utilizaron muchos sintetizadores en el álbum? Que papel jugaron los instrumentos virtuales en la composición de los temas.

SDP: En realidad el disco esta bastante cargado de sintetizadores que fueron utilizados de distintas maneras. A veces como partes importantes del arreglo como un lead o un arpegiador y otras veces como efectos. Hoy en día los instrumentos virtuales son casi imprescindibles ya que te permiten tener todo al alcance y experimentar con muchos sonidos distintos. Para el proceso inicial de una canción a veces hasta los mismos sintetizadores te sugieren un concepto o una idea que se vuelve fundamental en el transcurso del tema. Para este disco fue una combinación de ambas cosas. Algunas canciones nacieron mas con la guitarra acústica como las baladas y otras empezaron con un groove que nos sugería un concepto para la canción y los arreglos.

JG: En los temas que me tocó meter teclas me iba por un sonido más vintage de teclados, B3, mellotrón, sintes análogos, pads en mono, arpegiadores, loops y efectos. Aproveché también el piano Yamaha C5 que tienen en Midnight Blue, que está nuevito y suena muy bien. Los instrumentos virtuales como recreación de viejos teclados están cada vez más cerca del original. El B4 puede sonar creíble realmente, solo tienes que imaginarte que estás con el mueble al frente y tocar apropiadamente, lo que significa la mitad del sonido del B3 , el resto ya lo imitó Native Instruments.

MP: Hay dos temas en el disco que cuentan con la participación de músicos de la Boston Symphony Orchestra. ¿Cuál fue el efecto deseado con los arreglos en cada canción?

SDP: Los arreglos de cuerdas de ambos temas fueron escritos por José. En “Tengo Miedo” la idea era que las cuerdas aportaran al drama de la canción. Tanto la letra como la armonía ya insinuaban una sensación de desesperación y creo que eso fue lo que José trato de capturar en el arreglo.

JG: Exacto, a la mitad de la canción, en el puente, las cuerdas caminan en un marcato rítmico para luego relajarse antes del último coro en el que trabajé sobre solo una melodía memorable, pero que va variando en la rearmonización de las partes creando un climax muy dramático al final. En “Indispensable” me dejé llevar por mi lado más Beatlesco. Me imaginaba también una atmósfera como la de “Sea Change” de Beck, oscura, con pads, efectos y líneas melódicas que sobresalieran en contrapunto con la voz de Chayanne. Las cuerdas en este tema completan una idea sonora que comienza con el tambor, el piano, el mellotron, glockenspiel y las guitarras; son parte de un concepto específico detrás de la producción.

MP: ¿En que estudio y como se grabaron las cuerdas?

SDP: Las cuerdas del disco fueron grabadas en Futura Productions en Boston. El estudio fue construido en un espacio acústico impresionante que unos años atrás había servido como templo Masónico. No fue muy difícil que las cuerdas sonaran bien de inmediato considerando la calidad de los músicos y acústica del salón. Tuvimos el gusto de tener a Rob Jaczko, quien actúa como decano del departamento de Ingeniería y Producción en Berklee, como ingeniero junto con John Weston de FP. La idea era aprovechar lo mejor del espacio y para eso Rob usó tres micrófonos Schoeps que formaban un decca tree. Esta técnica utilizada mucho para grabar orquestas consiste de dos micrófonos en estéreo apuntando a los lados, mas un tercero apuntando al medio. Para poder tener la libertad de balancear a nuestro gusto las secciones de cuerda en la mezcla también se colocaba un micrófono por cada dos músicos ubicado más cerca al instrumento. Cuando llegó la hora de mezclar puedo decir que la base del sonido de cuerdas fueron los micrófonos del decca tree.

MP: ¿Con que micrófono fue grabada la voz de Chayanne y como fue procesada?

SDP: Todas las voces de Chayanne fueron grabadas en los estudios Midnight Blue de Miami. Allí utilicé el micrófono Neumann m149. Desde que grabamos el primer tema sentí que capturaba hasta el más mínimo detalle y aportaba una claridad incomparable en su voz. Como preamplificador use el Neve 1081. La voz fue grabada sin compresión para dejarnos la libertad en la mezcla de escoger entre varios compresores de calidad que teníamos a disponibilidad en el estudio.

MP: ¿Que aporte creativo significó la mezcla como parte del proceso?

JG: Lo mezclamos todo nosotros a 4 manos salvo “Tengo Miedo” que lo mezcló solo Sebas. Al haber trabajado juntos en casi todos los temas ya teníamos claro cómo debían sonar a la hora de la mezcla, de todas maneras si un tema era producido por Sebas mi aporte creativo en la mezcla era un elemento valioso y viceversa. Me gusta pensar en el mixer como un músico que aporta una buena dosis de creatividad sobre la canción y que no simplemente balancea los niveles. Me divierte cambiarle la cara a algún instrumento, darle carácter e incluso ubicarlo en algún plano inesperado para lograr un afecto en el oyente. Creo que logramos darle identidad y vida a las canciones desde la mezcla; trabajamos muy bien en equipo, ya lo habíamos hecho antes y nos divertimos bastante una vez mas.

MP: ¿Que consola y que outboard gear (si alguno) se usó para dichas mezclas?

SDP: Para la mezcla del álbum usamos una consola SSL 9000J de 80 canales. Utilizamos bastante outboard gear. Entre ellos compresores como el Distressor, 1176, Tube Tech CL 1B, Focusrite d2. También el SPL Transient Designer y obviamente los compresores de la consola que aportaron mucho al sonido que se les dio a las baterías. En cuanto a efectos usamos la Lexicon 960 L así como una serie de diferentes plug-ins en Pro Tools como los Waves, Echo Farm, Cosmonaut, y DigiRack. Los delays de Waves en particular son muy versátiles y los utilizamos mucho en la voz para crear diferentes espacios sonoros.

MP: ¿Como definen su sonido como equipo creativo?

JG: Los dos tenemos sonidos bien definidos y distintos pero tenemos también mucha música en común, lo que hace fácil nuestra comunicación. Parece evidente que tenemos mucho rock en las venas pero en realidad escuchamos de todo. El denominador común de ambos da como resultado un nuevo ser creativo, un nuevo sonido que se transformará en función a nuestros vivencias individuales y seguirá evolucionando con las próximas producciones conjuntas.

MP: ¿Como ven “Mi Tiempo” en relación a los álbumes anteriores de Chayanne y como creen que los fans de Chayanne van a asimilar este álbum?

SDP: Creo que “Mi Tiempo” es un buen paso hacia delante en la carrera de Chayanne. Es un álbum fresco que muestra una cara nueva de él a sus fans, sin necesariamente alejarse por completo de sus raíces y su estilo que lo han caracterizado. Al mismo tiempo muestran un Chayanne maduro y con la seguridad de abordar temas nuevos en las canciones. Creo que el álbum va a ser muy bien asimilado por sus fans porque se van a dar cuenta que a pesar de ser el disco numero 20 en su carrera, él no ha dejado de crecer ni de luchar por mostrarle a su público como él es, de la manera mas honesta posible.

JG: Chayanne está siempre en la búsqueda de dar lo mejor de si a sus fans, “Cautivo”, su disco anterior buscó con éxito innovar en su sonido; en “Mi Tiempo” Chayanne muestra otro costado del mismo hombre, el mismo artista incansable en quizás su punto de mayor
madurez como intérprete y nosotros hemos volcado nuestras humildes ideas creativas para hacer posible el objetivo común de dar a luz un nuevo clásico, un disco con temas que podríamos escuchar hoy tanto como en 20 años. Ojalá así sea.